Hasta siempre

La vida es una sucesión de diferentes etapas y por ello, "La enciclopedia del SUSTO", el blog de las pelis de terror exploitation, ha llegado a su fin. Mi pasión por el cine sigue intacta, pero tengo nuevos objetivos vitales que me impiden visionar todas las películas que me gustaría y escribir sobre ellas aquí. También es cierto que, estando el mundo como está, cada vez me resulta más difícil intentar hacer humor, cuando hay tanta gente sufriendo por culpa de la maldita crisis económica. Quizás, en un futuro, cuando la cosa se arregle, tenga ánimo para seguir frivolizando sobre cine. Hasta entonces, el cuerpo me pide otras cosas.

He disfrutado muchísimo haciendo este blog y espero que vosotros también hayáis disfrutado leyéndolo.Gracias por estar ahí. Un abrazo muy fuerte a tod@s. ¡HASTA SIEMPRE!

(Noviembre del 2009-Junio del 2011)

nuevos bárbaros, Los

Los nuevos bárbaros (Esto tiene más títulos que una bolsa de garbanzos: Il nuovi Barbari;Metropolis 2000; 2019: Il nuovi barbari; The new barbarians: Warriors of the Wasteland; y yasta. 1982. Italia y Estados Unidos)
Dirección: Enzo G. Casteralli
Productora: Fulvia Films y Deaf International (que los yankis también pusieron sus dineros, aunque no se note)
Guión: Tito Carpi, Enzo G. Casteralli, Antonio Visone
Música: Claudio Simonetti
Fotografia: Fausto Zuccoli
Género: Ciencia-Ficción Post-apocalíptica del baratillo.
Intérpretes: Giancarlo Prete, Fred Williamson, George Eastman, Anna Kanakis
Sinopsis: Sin paños calientes: esto es como Mad Max 2 pero en cutre total. En el año 2019 acaba de terminar una guerra nuclear y apenas quedan unos cuantos supervivientes que se dividen en dos grupos: los buenos, que intentan crear una nueva sociedad de buen rollo, y en el bando contrario hay una mancha de hijos de puta que se cargan a todo lo que se menea y que si te descuidas te sodomizan entero. Pues bien, entre ambos bandos hay un chulito llamado Escorpión, que en el fondo es bueno y ayuda a la gente, sobre todo si son tías buenas. Pues nada, se pasan toda la película dando vueltas con coches de feria y pegando tiros.

¡Vivan los exploitation con gracia y salero! y nadie como nuestros amigos italianos para hacer unas películas tronchantes, cutre-lux, divertidas y con alguna buena hostia bien dada. "Los nuevos bárbaros" entra dentro de este subgénero degenerado que lo mismo te partes la caja de risa como que te da un poquito de vergüencica ajena, sobretodo por las numerosas influencias de la mítica película de George Miller. Por un lado, tenemos a ese Max Rockatansky de saldo con un coche tuneado por el neng de Castefa porque más absurdo no puede ser. A parte de unos tubos que no sirven para nada y un maletero con más peligro que una caja bombas, el techo del coche tiene una especie de esfera de cristal transparente que por la noche se pone de un color verde menta y que no sirve absolutamente para nada. Por otro lado, si le das a un botón, las puertas salen volando y encima en el coche no hay espacio para jincar, porque una gachí que se encuentra el tío y tienen que consumar en una tienda de campaña transparente. Como fiel ayudante de Escorpion está un señor negro habitual en las películas de Casteralli llamado Fred Williamson (aunque me da que su verdadero nombre no es éste) que aquí se pasa toda la película lanzando flechas explosivas (que el arco se lo tuvo que dejar Rambo) y mojando el churro a la mínima oportunidad. Y por último tenemos al niño de la película, que si en Mad Max 2 el peque era un semisalvaje que lanzaba un boomerang asesino, aquí tenemos a este niño que se lo pasa pipa con el tirachinas. Por cierto, aquí os pongo la foto del nene, a ver si adivináis en qué película sale (va, que es fácil)

Mención especial merecen los malos del film, con unos trajes calcados al de las tropas imperiales de Star Wars (de blanco nuclear pero sin el casco) y que a nivel metafórico pierden bastante aceite. Emulando al genial Homungus y a su ambigüedad sexual, los malos de "Los nuevos bárbaros" no son ambigüos ni nada, que son fanáticos religiosos gayers que a la hora de castigar a sus enemigos los ponen con el culo en pompa y los sodomizan sin contemplaciones. Si es que con el rollo religioso-ceremonial el líder de los malos se pone las botas cosa fina (aunque al final y os suelto un Spoiler, el malo tendrá su justo castigo porque será penetrado por detrás por un taladro ¿no querías caldo? ¡pues toma dos tazas!)
Y nada más que decir de esta película del todo a 100. Es mala, sí, pero también es delirante y divertida. Aunque todas las escenas de acción estén rodadas en los descampados del extrarradio de alguna ciudad italiana, al menos son de lo mejorcito que ha hecho Casteralli, el cual se caracteriza por perpetrar unas tomas confusas totales. Aquí al menos vemos tiros a punta pala (aunque me pregunto de qué están hechas las balas, porque la gente es que revienta del to), gente atropellada y quemada viva y unas cuantas chulerías y cipotoides posapocalipticos. Resumiendo: de lo mejor de Casteralli, lo cual tampoco es decir mucho.
Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de afguyd.

Clásicos del terror EC nº 1(Tales from the Crypt)

Biblioteca Grandes del Cómic: Clásicos del Terror de EC nº1. Cómic

Autor: Pues un montón de escritores y dibujantes geniales de los que marcan una época. A la batuta del asunto estaban Bill Gaines, propietario de Entertaining Comics y editor, y Al Feldstein, editor, guionista y dibujante. Ellos fueron los inefables guías espirituales, gamberros y puñeteros que marcaron el estilo sinvergüenza y genial del cómic, pero de nada hubiera servido su labor sin el increíble talento de dibujantes y guionistas como Johnny Craig, Gardner Fox, Wally Wood, Harvey Kurtzman, Graham "Ghastly" Ingels, Jack Kamen, etc.

Tema: Pues el cómic está compuesto por historias cortas de unas 6 u 8 páginas independientes entre si, introducidas generalmente por un ser despreciable y abyecto denominado el Guardián de la cripta, que junto a sus execrables amigos el guardián de la cámara y la vieja bruja, narrarán las diferentes historias para no dormir llenas de necrófagos, licántropos, vampiros y demás gente de mal vivir, historias donde nada es lo que parece y cuyos finales son sorprendentes y pa no echar gota.

Publicación original: El material que recopila el cómic fue publicado a principios de la década de los 50, en la revista Crypt of terror nº 17, 18 y 19. Posteriormente la revista pasaría a titularse Tales from the crypt, continuando con la numeración original, o sea, los números 20, 21 y 22. La editorial es la famosa EC (Entertaining Comics) que desgraciadamente recibió palos hasta en el carnet de identidad debido a sus revolucionarios contenidos.

Edición Española: El cómic es el primero de una serie de 15 números publicados por la editorial Planeta Agostini, que por aquella época estaba haciendo su agosto con las Bibliotecas Marvel y decidió ampliar mercado (y su polémico formato) con otros géneros más allá del superheroico (y por si las moscas te lo vendían más caro). El cómic fue editado en España en el 2003, tiene 176 páginas, cuesta 4,75 euros y mide más o menos 21 cm de largo, casi 15 cm de ancho y de canto mide 1 cm.

Sinopsis: Como ya dije antes, el tebeo se compone de varias historias cortas, exactamente 24, así que no esperarás que te haga un resumen de cada una de ellas ¿no? ¡Léete el cómic, chacho, que lo vas a disfrutar!

Tales from the crypt (y sus hermanas The Vault of Horror y The Haunt of Fear) eran los cómics más vendidos en aquella época bastarda de la caza de brujas de la década de los 50, y eran los más vendidos y los más famosos gracias a la gran calidad de sus contenidos y al desbordante humor negro e ironía que derrochaban sus páginas, aptos para el disfrute de los jóvenes y no tan jóvenes que se lo pasaban pipa con historias superdivertidas (y también acojonantes) con un pequeño pero inconfundible contenido liberal y progresista. Pero como ya dije en un principio, en Estados Unidos allá por los años 50, todo lo que pareciese liberal y progresista era acusado de ser comunista-¡rojo! y debía ser perseguido y exterminado de la faz de la tierra de la libertad. A todo esto se le unió la mala hostia de la industria del cómic, envidiosa del gran éxito del los cómics irreverentes de la EC y que querían acabar con tanto éxito fuera como fuera. Y de esta manera se juntaron el hambre con las ganas de comer y los cómics de terror en general (y los de la EC en particular) fueron acusados de promover el crimen y el vandalismo entre la juventú. Al final tal majadería no llegó a buen puerto pero el daño ya estaba hecho, así que las propias editoriales de cómics (la mayoría, pero no todas) decidieron AUTO-CENSURARSE para así calmar los ánimos de los propietarios de los puntos de ventas de los cómics (supermercados, quioscos, etc). Lo curioso de esta auto-censura es que puteaba directamente a los cómic de la EC, los cuales no pudieron soportar tal presión y fueron borrados del mapa ante la falta de ventas. Y así, niños y niñas, por la mierda en el cerebro de algunos políticos y empresarios, unos de los mejores cómics de la historia fueron eliminados por la más infame y descarada censura. Y con esto y un bizcocho, que nos den por culo a todos (rima asonante).

No obstante, fueron casi 5 años de historias antes de que les cortaran el grifo, y todas estas historias fueron recopiladas no solo en esta Biblioteca Grandes del Cómic: Clásicos del Terror, sino también en otras colecciones que desde aquí os recomiendo encarecidamente, como Biblioteca Grandes del Cómic: Clásicos del Suspense (compuesta por 8 números), Biblioteca Grandes del Cómic: Clásicos de la Ciencia-Ficción (colección de 10 números) e incluso la Bliblioteca Grandes del Cómic: Clásicos Bélicos (con 7 números). Y si queréis ver los intentos de salir a flote tras la traicionera puñalada que le dieron a EC, podéis echar un vistazo a Biblioteca Grandes del Cómic: EC Presenta, con 7 ejemplares que abordaban temas tan interesantes como el psicoanálisis, las historias periodísticas e incluso las urgencias.

Pero para ir haciendo boca, lo mejor es que empieces con estos divertidísimos y espeluznantes cuentos de terror.

tren de la carne de la medianoche, El

El tren de la carne de la medianoche (Midnight meat train, 2008, USA)

Director: Ryuhei Kitamura

Productor: Clive Barker, el de los cenobitas

Guión: Jeff Buhler basado en un relato de Clive Barker

Música: Nobuhiko Morino

Fotografía: Jonathan Sela

Género: Gore digital

Intérpretes: Vinnie Jones, Bradley Cooper, Leslie Bibb y Broke Shields (la del lago azul, pero afortunadamente sale poco)

Sinopsis: Leon Kauffman es un fotógrafo que se pasa las noches haciendo fotos como churros, pero el chaval no está convencido de su trabajo porque a sus foticos le falta autenticidad, así que el tío se dispone a retratar lo peor de la noche, como bandas de delincuentes en plena faena y cosas por el estilo. Y así, a lo tonto, le echa el ojo a un tío grandote más bestia que un arado que todas las noches coge el metro y a la mañana siguiente han desaparecido cuatro o cinco personas humanas. Leon está fascinado con el misterio y decide investigar más profundamente, descubriendo un complot mundial de la charcutería subterránea.

"El tren de la carne de la medianoche" es otra aproximación al universo personal de Clive Barker y sus mundos para-lelos llenos de sangre y vísceras, donde los excesos físicos ocultan una nueva realidad psicodélica y subyugante. O sea, que ésta no es una película para estómagos delicados ni para gente de vómito fácil, porque el film contiene escenas de violencia explícita que, sin llegar a los extremos regurgitantes de "Hostel" o "Saw", dan bastante asquito a nivel general. Pero tampoco exageremos, que los efectos digitales cantan como Carusso, restándole realismo e impacto a las escenas más bestias y belloteras. Entonces, ¿en qué quedamos? ¿molan o no molan las escenas cañeras? Pues sí, molan un montón, siendo estas escenas de masacre y escarnio lo mejor de la película, quedando todo muy divertido a la par que entretenido y visceral.

Una vez cubierto el cupo obligatorio de casquería fina ¿cómo es el resto de la película? pues bastante irregular y cutrecilla, para qué nos vamos a engañar. La trama es un poquito sosa y el argumento apenas explica nada sobre las motivaciones de los malos de la peli. El director pretende hacer de la película un viaje a la oscuridad de su protagonista, que primero empieza vegetariano y después se hace carnívoro, pero los cambios son superficiales y no impresionan ni dan repelús. El guión también tiene momentos absurdos (como cuando la novia y el amigo del prota van a registrar la casa del asesino tan guapamente) y momentos completamente hilarantes, como la esperpéntica lucha final, cuando el protagonista se disfraza de charcutero para vencer al malo a golpe de jamón. En fin, dicen los entendidos que el relato en el que se basa la película es más profundo y está mejor hecho, siendo ésta una adaptación mediocre, que no vale ni para echársela a los perros. Hombre, tampoco es eso. La película posee un planteamiento interesante y estremecedor, pero el director la caga con la puesta en escena y con un desenlace que no deja satisfecho a nadie.

En fin, "El tren de la carne de la medianoche" es un intento fallido de crear una película de terror cañera, que tiene sus tres o cuatro escenas buenas y el resto es para olvidar. Lo más destacable del film es su tremenda fuerza visual. Aquí os dejo el trailer de la peli, cortesía de StuntmanL4.

Solaris

Solaris (Solaris, 2002, USA)

Dirección: Steven Soderbergh

Productora: 20th Century Fox y el James Cameron

Guión: Steven Soderbergh basado en la novela de Stanislaw Lem

Música: Cliff Martínez

Fotografía: Steven Soderbergh

Género: Ciencia ficción y drama humano y metafísico

Intérpretes: George Clooney, Natasha McElhone, Jeremy Davies, Viola Davis

Sinopsis: Por lo visto, hay un planeta nuevo en la otra punta del universo llamado Solaris que es un misterio para los científicos, por eso mandaron una estación espacial para investigarlo. Desgraciadamente, un buen día, los científicos de la estación cortaron toda comunicación con la Tierra y dijeron que de volver a casa nanai, que ellos se quedaban junto a Solaris ad infinitum. Por este motivo la autoridad competente manda a la estación espacial a George Clooney, que aquí interpreta a un psicólogo muy bueno, para descubrir qué le ha pasado a los miembros de la tripulación y, si están vivos, para convencerlos de que regresen a la Tierra. Y allí va el chavea, sin saber que su vida cambiará para siempre porque Solaris tiene el poder de convertir los sueños en realidad.

La ciencia-ficción es un género con muchas variantes y bajo este epígrafe podemos encontrar películas muy diferentes entre sí. Pues bien, el "Solaris" del siglo XXI, que es remake de la película homónima realizada por Andrei Tarkovsky en 1972, entraría dentro del subgénero "Ciencia-ficción-coñazo", caracterizado por una puesta en escena minimalista, una ritmo narrativo muy muy lento, una música hipnótica monocorde y una presunta complejidad argumental que enmascara la simpleza del guión. A este subgénero pertenecen películas como "2001: una odisea en el espacio" o "Moon" y con esto ya está todo dicho. Si te van las space opera con sus naves espaciales lanzando rayos plan Star Wars o las películas de monstruos con atmósferas claustrofóbicas y terroríficas plan Alien u Horizonte Final mejor será que pases de largo a la hora de visionar la peli de Steven Soderbergh, porque lo más probable es que te aburras bastante. No obstante, desde aquí os invito a verla, ya que la peli sólo dura hora y media (a diferencia de las casi tres horas de la peli de Tarkovsky) y además cuenta con otros alicientes como la bellísima Natasha McElhone o el culito de George Clooney (que puestos a enseñar culos ¿por qué no enseñaron también el de mi Natasha? ¡qué injusticia!)

Al igual que en el libro o en la película original, Soderbergh aborda dos cuestiones fundamentales a la hora de narrar su historia: Primero, la lucha filosófica entre idealismo y materialismo, y segundo, el conflicto existencialista entre la predestinación y el azar. Pero el director norteamericano se centra casi exclusivamente en la relación romántica entre el protagonista (culo incluido) y su antigua compañera, mostrándonos mediante numerosos flashbacks la compleja unión de ambos personajes y su trágico desenlace. O sea, que nadie espere ver un análisis profundo de las relaciones humanas ni una crítica solapada al materialismo filosófico tal como reflejaba la película de Tarkovsky, ya que Soderberg limita bastante el campo de acción (quizás porque es consciente de sus limitaciones a la hora de emprender un proyecto de semejante envergadura) y nos cuenta una trágica historia de amor con toques existencialistas y va que chuta.

A nivel técnico la película es correcta, con unos efectos especiales adecuados para la historia que está narrando, o sea, muy sutiles y armoniosos. La peli también posee una absurda y gratuita sorpresa final que no sé por qué la han puesto, ya que no afecta para nada la trama principal. Y en cuanto a la pareja protagonista, pues la verdad es que no dan ni frío ni calor ya que la química entre ambos es casi inexistente. Soderbergh no consigue hacernos creer que la relación entre Clooney y mi Natasha es apasionada e inmortal, más bien parece la historia de una pareja pequeñoburguesa que discuten por chorradas. El drama, la fuerza, la tragedia y todas esas cosas que te ponen los pelillos de punta cuando te cuentan una buena historia de amor brillan por su ausencia en el film de Soderbergh.

En fin, "Solaris" es una película donde la ciencia-ficción es una excusa para contar una historia de amor. ¿Eso es bueno? ¿Eso es malo? pues ni lo uno ni lo otro, depende de como te levantes ese día y de cuales sean tus necesidades culturales.

Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de cheapflixmovies.

Área de descanso

Área de descanso (Rest Stop aka Rest Stop: Dead ahead, 2006, USA)

Dirección: John Shiban, que por lo visto el tío también fue productor de "Expediente X" y todo

Productora: Flame Ventures

Guión: John Shiban

Música: Bear McCreary

Fotografía: Mark Vargo

Género: Psichokiller y gore pero sobre todo fantasmas (que la peli engaña bastante)

Intérpretes: Jaimie Alexander, Joey Mendicino, Deanna Russo

Sinopsis: Una pareja de novios decide ir a Los Ángeles para conseguir fama y fortuna en el mundo del cine, pero como el camino es largo, a la muchacha le entran ganas de mingitar y como no lo quiere hacer en mitad del bosque van a un área de descanso que está donde dios pegó las tres voces de lejos. Cuando la muchacha termina el pis, sale para proseguir el viaje pero, toma castaña, el novio ha desaparecido sin dejar rastro. ¿Qué ha pasado? la respuesta la tiene el cateto de la camioneta, un psicópata perdido que le hará todas las perrerías del mundo a la muchacha, que la muy insensata no sabe que se ha metido en una carretera maldita llena de fantasmas.

Alguna vez algún sabio soltó por la boca esta perla de sabiduría: "los experimentos, con gaseosa", que si nos ponemos a mezclar nos pueden salir cosas raras y decepcionantes. Pues esto mismito fue lo que le pasó a John Shiban, que el hombre quería hacer una peazo de película donde poder mezclar gore cañero (plan "Hostel" o "Saw") con fantasmas de ultratumba y al final le salió una peliculilla cutrecilla intitulada "Área de descanso" que no consigue satisfacer ni a los amantes de la casquería surtida y de las impresiones fuertes ni a los degustadores de las ánimas en pene, porque el director se monta un cacao maravillao que no se aclara ni la madre que lo parió, planteando mogollón de preguntas y ninguna respuesta, y claro, eso es imperdonable, porque tú puedes experimentar todo lo que quieras, pero al final tienes que poner las cartas sobre la mesa y enseñar los papeles del camión, pero si al espectador le robas eso, al final no queda una película interesante sino una tomadura de pelo de las que hacen época y una decepción de las gordas.

"Área de descanso" es una película con limitaciones evidentes causadas sin duda por su ajustadísimo presupuesto. Los actores son pocos y malos; las localizaciones se pueden contar con los dedos de una mano; las escenas "impactantes" son risibles y cutrelux (lenguas cortadas, muslos taladrados y dedos comidos ya no impresionan a nadie); en la peli apenas ocurre nada, las escenas se repiten sin sonrojo alguno; y para más inri la película posee una pretenciosidad cómica propia de un cineasta amateur, algo así como un David Lynch de tercera división. En fin, una joya de película.

No obstante, hay que reconocer que la película no es aburrida ya que potencialmente cuenta una historia interesante (aunque en la praxis el director la caga). Para disfrutar de esta película son imprescindibles hacer dos cosas: la primera es cambiar el chip a la hora de catalogar el film: "Área de descanso" no es una película de un psicópata cateto montado en una camioneta, sino que es la historia de una maldición con sus fantasmas inmortales que vagan por toda la eternidad sufriendo mogollón. La segunda cosa que hay que hacer para disfrutar de la película es ver "Área de descanso 2: no mires atrás", porque ahí te resuelven el misterio de la primera parte y además te cuentan la motivación que tiene el cateto de la camioneta para matar a las gentes.

Resumiendo: "Área de descanso" es una película fallida en su desarrollo y bastante inconsistente (que no incoherente) en la puesta en escena. Lo que pasa es que el director se quiso pasar de listo y así nos luce el pelo.

Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de trailer0boy.

Suspiria

Suspiria (Suspiria aka Alarido, 1977, Italia)
Dirección: Dario Argento
Productora: Seda Spettacoli
Guión: Dario Argento y Daria Nicolodi
Música: Dario Argento y el grupo Goblin
Fotografía: Luciano Tovoli
Género: Fantasía macabra
Interpretes: Jessica Harper, Stefania Casini, Joan Bennett, Alida Valli, Udo Kier y Miguel Bosé en su época de "Supe-Super-Man-gay power"
Sinopsis: Suzie Bannyon es una bailarina que quiere perfeccionar su estilo de danza y por eso se va a la Alemania, concretamente a Friburgo donde hay una de las mejores escuelas de danza del mundo. Además, y por el mismo precio, la academia es una de las tenebrosas casas del mal propiedad de las tres hermanas, unas brujas muy malas que tienen subyugado al mundo entero con su mala hostia. Pero Suzie, como está empanada, no se entera de nada y allí se queda bailando el lago de los cisnes. No obstante, los efluvios malignos de la bruja impregna cada rincón de la escuela y algunas estudiantes sospechan cual es su verdadera naturaleza. Pero que no cunda el pánico, que cualquier niña que descubra el pastel recibirá como premio la muerte más sádica, horrible y cabrona del mundo.

Señoras y señores, "Suspiria" es sencillamente una ¡¡OBRA MAESTRA!! y una de las mejores películas de terror de todos los tiempos atmosféricos y cronológicos. Sólo un genio como Dario Argento pudo crear este cuento de hadas macabro lleno de simbología conceptual, horror descarnado y belleza cromática. Única en su género, tanto en la forma como en el fondo, "Suspiria" revolucionó el terror y el Fantastique mundial gracias a su fuerza visual y a su sencillez conceptual, convirtiéndose en una obra de referencia dentro del género y siendo la prueba viviente de que, tanto antes como ahora, hay muchos caminos del terror que aún no han sido explorados y que esperan la visión de un gran autor para ser descubiertos.

Pero pongámonos en situación. En 1975 Dario Argento realizó un clásico del terror titulado "Rojo Oscuro", un giallo perfecto que tuvo un éxito de crítica y público impresionante. Por ello, cuando Dario se puso a pensar en su próximo trabajo, no quería que la gente se pusiera a comparar ambas películas y por ello ideo una trama completamente diferente a la de "Profondo Rosso". Algún listo le dijo que hiciera una película sobre el diablo, que por aquella época estaba de moda, pero Argento dijo que nones, que el demoño era un concepto muy aburrido que no le interesaba en absoluto. Su siguiente proyecto tenía que ser algo nuevo, provocativo, absolutamente sorprendente e inesperado. Por ello, eligió el tema de la brujería, basándose en la vida de María Blavatsky, inventora de la teosofía, y de Gurdjieff, otro teósofo del copón. A partir de aquí, Argento creó toda la mitilogía de las tres madres y su puta idem, compuesta por la madre de los suspiros, que es la más vieja de las tres y vive en Friburgo; La madre de las lágrimas, que vive en Roma y es la más guapetona; y la madre de las tinieblas, que es la más cabrona y vive en New York. Juntas gobiernan el mundo desde tres casas infernales que tienen muy mal rollo. Pues bien, "Suspiria" es la historia de la primera madre, Mater Suspiriorum, y su escuela de danza es en verdad la casa del terror que es para cagarse vivo del susto. Por cierto, mientras que Dario Argento asegura que lo de las tres madres lo tenía pensado desde el principio, otros críticos opinan que no fue hasta su siguiente película, "Inferno" cuando a Argento se le ocurrió todo el tema de las madres y las casas. Quien sabe...
Lo que hace única a una película como "Suspiria" es, sin lugar a dudas, el innovador y revolucionario tratamiento fotográfico de la imagen, una mezcla aparentemente caótica de colores fríos y colores cálidos inteligentemente desplegados a lo largo del film para arrancar sensaciones contradictorias, oníricas e intensas en el espectador. Argento quería para su película un color muy denso, parecido al technicolor de las películas de dibujos animados de la Disney de los años 30, y lo consiguió gracias a la colaboración de Luciano Tovoli, un maestro de la paleta que a golpe de colorines consiguió crear una atmósfera de irrealidad absoluta. El espectador no sólo ve los colores, sino que también se sumerge en ellos en una orgía de tonos y sensaciones malsanas y angustiosas, fruto del poder omnipresente de la madre de los suspiros.
En cuanto a la trama, Argento quería que los personajes de la película fueran niñas de doce años, pero la productora dijo que nones, ya que en el guión las estudiantes sufrían todo tipo de torturas a manos de sus profesoras-brujas y el escándalo subsiguiente sin duda dañaría el prestigio de la película. Para superar este problema, Argento hizo que sus personajes actuasen de manera infantil, sobre todo su protagonista, Jessica Harper, que tiene una cara añiñada que recuerda a la de Blancanieves y los 7 enanitos. Además, Argento modificó los decorados para que los pomos y los quicios de las puertas estuvieran más alto de lo normal, para dar la sensación de que las muchachas eran más pequeñas y creando así una sensación de irrealidad absoluta.
Poderosamente irreal también es el acentuado contraste entre los decorados interiores (claustrofóbicos, tortuosos y laberínticos) y las localizaciones exteriores (diáfanas, luminosas y deslumbrantes). Entre los primeros destaca el gran trabajo de Giuseppe Bassan, que a partir de ejemplos del art nouveau crea una serie de habitaciones terroríficas y malignas que supuran misterios y acertijos a punta pala. En cuanto a las localizaciones exteriores, destaca la belleza de la Plaza de los Tres Templos en Munich, donde se cargan al pianista ciego con total impunidad y a la vista de todo el mundo.
Que sí, que vale, que mucha poesía, mucha irrealidad y mucho onirismo, pero lo que más nos gusta de Argento es ¡la casquería fina! Pues de eso también tiene la película bastante, con unas escenas de violencia y asesinato de lo más sádicas y bestiales del mundo. Sin duda alguna destaca la primera de ellas, una orgía de apuñalamientos y demás putadas que dejan al espectador estremecido y acongojado. Pero Argento sabe dosificar su frenesí degollador y a lo largo del film las escenas sangrientas están inteligentemente repartidas para que causen un mayor impacto en el espectador.
Otro elemento fundamental de la película es su espeluznante banda sonora, creada por Dario Argento en colaboración con el grupo Goblin. Aquí os dejo el tema central del film, una mezcla tenebrosa de acordes con connotaciones siniestramente infantiles, cortesía de Absusdey93.



Y poco más puedo añadir de esta obra maestra. "Suspiria" es terror hecho cine, ni más ni menos. La trilogía dell´occulto se completa con las pelis "Inferno" (1980) y "La madre del mal" (2007).
Aquí os dejo el trailer del film, cortesía de OL1.

Castle Freak

Castle Freak (Castle Freak aka Un castillo alucinante, 1995, USA)

Dirección: Stuart Gordon

Productora: Full Moon Enterprises

Guión: Stuart Gordon y Dennis Paoli, basado en un cuento de H.P. Lovecraft: "The Outsider"

Música: Richard Band

Fotografía: Mario Vulpiani

Género: monstruos capados comegatos

Intérpretes: Jeffrey Combs (el de Re-animator), Barbara Crampton (la de Re-animator), Jonathan Filler (éste no salía en Re-Animator), Jessica Dollarhide (ésta tampoco)

Sinopsis: Una familia norteamericana hereda un castillo italiano en plena Italia y allá van ellos to felices para venderlo y llevarse la pasta. La familia está compuesta por el padre, un ex-alcohólico que por su culpa su niño murió y su niña quedó ciega; la mujer, que tiene a pan y agua a su marido desde el accidente; y la hija ciega que esperemos que tenga 18 años porque todo el mundo le quiere meter mano. En fin, la primera noche que pasan en el castillo escuchan ruidos extraños y lamentos de las catacumbas. La chacha dice que en el castillo ocurren fenómenos paranormales, porque el que llora es el fantasma del hijo de la Duquesa, que por lo visto lo mató su propia madre para vengarse del marido, que la había dejado abandonada por una pelandrusca más joven. Señora, pues casi acierta, porque matarlo no lo mató, pero lo que sí hizo la duquesa fue encerrar a su hijo en una mazmorra, cortarle la picha y darle de latigazos todos los días durante 40 años hasta que la mamma murió. Como es lógico, el chaval tiene un poquito de resquemor y se va a desahogar con los miembros de la familia.

Para bien o para mal, Stuart Gordon siempre está innovando cosa mala y dando por saco con sus películas gamberras, bizarras y políticamente incorrectas, y este castillo alucinante (alucinado estaba el que le puso el título en castellano) no es una excepción ya que la peli tiene de todo menos presupuesto. Siguiendo su costumbre de adaptar los cuentos de H.P. Lovecraft con la punta del nabo, Gordon vuelve a liarla parla estremeciendo mentes y estómagos con sus bestialidades pasadas de rosca y su peculiar humor negro carbón y cabrón. Desgraciadamente, el punto débil del film es su escaso presupuesto, que no tenían ni para pipas, y eso se nota un montón tanto a nivel artístico como técnico, quedando todo un pelín chusco y cutre-lux.

No obstante, la historia que cuenta la película es potente y llena de muchísimos matices. Tomando como punto de partida el enclaustramiento forzoso del protagonista del relato "El intruso" (también conocido como "El extraño"), Stuart Gordon diseña una criatura marcada por el odio ciego y la crueldad, dando como resultado un bicho patético y salvaje, que sólo sabe expresarse a través de la violencia pero que tiene la curiosidad y las pocas luces de un niño de teta. Esta combinación de ingenuidad y bestialismo es el motor de la película, marcando al resto de personajes de manera directa. No obstante, el verdadero protagonista del film es el personaje interpretado por Jeffrey Combs, un padre de familia un poquito alcohólico y putero con un montón de defectos pero que en el fondo es buena persona y quiere lo mejor para su mujer y su hija. El tío es un hombre completamente normal que no tiene ninguna virtud y que, como todo el mundo, a veces se ve superado por las circunstancias. Barbara Crampton interpreta a la esposa y madre castrante, que no le perdona una al marido y a la niña la tiene amargaita con tanta sobreprotección. Y la hija ciega es la conveniente víctima en edad de merecer y que por motivos del guión saldrá en ropa interior (aunque es verdad que la muchacha protagoniza una de las pocas escenas tiernas del film, cuando el monstruo comprende que la tía es ciega y siente lástima por ella). Otro aspecto interesante del film son los extraños e incestuosos vínculos entre los personajes de la película, ya que todos son miembros de una familia degenerada y donde comen dos comen tres. Por desgracia, todos estos personajes y buenas ideas están a medio desarrollar debido al escaso presupuesto, quedando todo a medio cocinar y sin ser explotadas en todo su esplendor. Por otro lado, el desarrollo de la trama es predecible y un tanto aburrido, poniéndose la cosa interesante cuando el bicho decide hacer una masacre.

En cuanto al despelote, pues haberlo haylo, aunque por desgracia no se despelota mi Bárbara Crampton sino una muchacha de color con un pelazo impresionante. Las escenas de sexo son bastante crudas y desagradables, sobretodo cuando el monstruo mete el hocico.

Resumiendo: "Castle Freak" es una peli con mucha potencialidad pero que en el acto es un poco deficiente. No obstante, Stuart Gordon consigue crear una atmósfera malsana y siniestra muy lograda y desagradable. Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de fullmoondirect.

libro de piedra (2009), El

El libro de piedra (2009) (El libro de piedra, 2009, Méjico)

Dirección: Julio César Estrada

Productora: FIDECINE

Guión: Julio César Estrada, Mario Luis Pacheco y Gustavo Moheno (que tiene experiencia en esto de los remakes), basado en el guión original de Carlos Enrique Taboada

Música: Eduardo Gamboa

Género: niños cabrones con un puñao de magia negra y unos cuantos lagartos resucitados y escupitajos de sangre

Interpretes: Evangelina Sosa, Ludwika Paleta, Mariana Beyer, Plutarco Haza

Sinopsis: Julieta es una psicóloga con licencia y diploma que un día de éstos un millonario la contrata para que le arregle la mente a su hija Silvia, que tiene más gachas que una olla de idem y que por lo visto tiene un amigo imaginario llamado Hugo que es una estatua austriaca de la Edad Media. Como psicóloga, Julieta no vale un duro, pero como el roce hace el cariño, la muchacha se dará cuenta que Hugo es algo más que un cacho de piedra, ya que tiene el seso de la niña sorbido completamente con tanta brujería y con tanto lagarto zombi, que para echarse unas risas y asustar a la madrastra está bien, pero es que al final el padre se va a enfadar con la estatua ecuestre de los cojones (y no se lo recomiendo porque Hugo tiene mu mala hostia)

¡Habemus Remake, habemus remake! ¡Ja, ja, ja, ja! No hay nada mejor que un remake para ver la sutil e inmensa crueldad de los frikis de toda la vida, que nos quedamos con tu cara y al final no perdonamos una. Una de las quinienstamil cosas que nos molestan es que nos toquen impúdicamente nuestros clásicos de toda la vida. Y mire usted por donde, la tetralogía fantasmagórica compuesta por "Hasta el viento tiene miedo", "El libro de piedra", "Más negro que la noche" y "Veneno para las hadas" del gran creador mejicano Carlos Enrique Taboada es un clásico como una catedral de grande, objeto de estudio, admiración e reverencia. Ya en su día hablé del remake de "Hasta el viento tiene miedo" realizado por Gustavo Moheno (y si no te lo crees, pica aquí) y hoy me toca hablar del remake de "El libro de piedra" y de Hugo y su puñetero padre brujo. Ni que decir tiene que desde el día en que se pensó en hacer un remake de "El libro de piedra", legiones de fans incondicionales pusieron el grito en el cielo y juzgaron y sentenciaron a la película ¡CULPABLE!, poniéndola de vuelta y media con toda una variada gama de insultos e improperios. Pero aquí estoy yo para realizar un análisis imparcial y ojetivo del film, a ver qué pasa...

Y lo que pasa es que este remake es total y absolutamente innecesario. El director te cuenta exactamente la misma historia sin aportar nada nuevo a la idea original. Y los poquitos cambios que hay en el guión son meramente cosméticos y no aportan nada nuevo al tema en cuestión. Que la institutriz sea ahora una psicóloga del copón no afecta para nada al desarrollo de la trama, que sigue línealmente el guión original de Carlos Enrique Taboada. El planteamiento es el mismo, el desarrollo es el mismo y el desenlace es el mismo; sale la escena de la iglesia en ruinas, sale la escena del perro, sale la escena del vudú, sale la escena del accidente de coche y por salir sale hasta el mismo lagarto. Exceptuando dos escupitajos de sangre, ambas película tienen el mismo guión, igualito. Por ello, más que un remake, esta peli es una actualización del film original de Carlos Enrique Taboada, lo cual me parece una chorrada capital y una pérdida de tiempo absurda, porque si me vas a contar otra vez la misma historia, prefiero verla en su versión original y no en su sosa versión 30 años después.

Aclarado ya este punto, pasemos a la valoración intrínseca del film: la peli es bastante malilla, para qué nos vamos a engañar. Los actores no trasmiten ninguna emoción verídica y la puesta en escena es demasiado amateur, con unos movimientos de cámara mareantes y unos planos generales y planos-detalle redundantes y de aficionado. Para empezar, la nueva niña es más inexpresiva que un canto rodado y a medida que avanza la película se vuelve un poquito más insoportable. El padre es un Jipi millonario buenrrollista que no tiene ni media hostia (muy diferente al padre original interpretado por Joaquín Cordero, que eso sí era todo un señor con dos cojones) y la madrastra no da ni frío ni calor. La única que se salva es la psicóloga protagonista del film y solo porque es muy guapita de cara.

Y poco más se puede decir de esta película mediocre sin una pizca de originalidad. Para hacer ésto mejor que no hubieran hecho nada. Aquí os dejo el trailer del film, cortesía de CorazonFilms.

Santos

Santos (Santos, 2008, Chile y España)

Dirección: Nicolás López

Guión: Nicolás López

Música: Manuel Rivero

Fotografía: Chechu Graf

Género: Superhéroes, ciencia-ficción y comedia gamberra juvenil

Intérpretes: Javier Gutiérrez, Elsa Pataky, Leonardo Sbaraglia y Guillermo Toledo

Sinopsis: Salvador es un dibujante de cómic fracasado creador del superhéroe friki "El niño bola", una criatura superpoderosa miembro de un linaje de superseres procedente de otra dimensión, educado desde pequeño por su maestro el Antropomosca y con la habilidad de crear campos de fuerza. Lo que no sabe Salvador es que él mismo es ¡El niño-bola! que de pequeño fue llevado a nuestra dimensión para salvar a la Tierra del fin del mundo. Pues mira tú qué casualidad que el fin del mundo está a la vuelta de la esquina, ya que el amigo de la infancia de Salvador, Arturo, es en realidad un supervillano llamado Nova que ambiciona el poder supremo aunque para conseguirlo tenga que destruir nuestra dimensión y la suya. Pero que nadie se asuste, que aquí llega el Antropomosca, que le revela a Salvador su verdadera identidad y lo entrena para que salve al mundo y se ligue a Elsa Pataky.

Vamos a ver si no me hago la picha un lío...analizar y comentar esta peli es algo complicado e jodido, porque "Santos" se encuentra en una extraña tierra de nadie donde sin ser mala del todo tampoco es precisamente buena y aunque la peli es entretenida, también es aburrida y decepcionante. Nicolás López continúa con sus historias autobiográficas sobre frikis inadaptados sociales que casi nunca se comen un rosco, que tanto éxito le dió con su opera prima "Promedio Rojo", pero además le añade toda la iconografía del universo superheróico propias de los cómics Marvel y DC y los rasgos más característicos de la ciencia-ficción estrafalaria y camp, creando una amalgama extraña y confusa que en teoría tendría que agradar a los frikis del mundo entero pero que en la praxis no satisface las expectativas de nosotros los degustadores de la subcultura popular. Quizás, tal como señala la sabidurida popular, "quien mucho abarca poco aprieta" y en el intento de crear la obra magna del frikismo planetario, Nicolás López mordió más de lo que podía tragar y el proyecto le acabó superando.

Sin duda alguna, lo que más chirría de la peli es la complejidad innecesaria de su guión, lleno de flashbacks, historias paralelas, entornos apocalípticos y montones de información por centímetro cuadrado. ¿A qué viene complicarse la vida tanto? ¿tan malo era hacer una película con su planteamiento, nudo y desenlace? Su ritmo argumental es irregular y confuso y se pasan media película explicando mogollón de cosas que ni nos importan ni nos interesan. Por ello, las buenas ideas que tiene el film (que las tiene) quedan diluidas por su guión coñazo y enciclopédico más interesado en el detalle innecesario que en contar una buena historia.

Porque ésa es otra: la historia, original lo que se dice original no lo es mucho, ya que tiene influencias a punta pala de tramas ya vistas en cómics (Green Lantern, Supreme) y series de televisión (Héroes), quedando todo muy tópico y predecible. Incluso el lado "romántico" de la historia no escapa de la norma dentro del mundo friki, donde el más inadaptado y feo al final se acuesta con la tía más buena de la peli (algo que siempre ocurre en la vida real ¿a vosotros no os pasa?)

En cuanto a los personajes, pues hay de todo un poco. Javier Gutiérrez está bien en su superencasillado papel de mindundi tirillas y Leonardo Sbaraglia queda genial interpretando a un malvado supervillano sofisticado (aunque a veces se pone un pelín espeso con tanto histrionismo). Guillermo Toledo, actor de un solo registro (el de golfo simpático) queda fatal en su papel de venerado maestro aunque sus momentos escatológicos son divertidos a la par que repugnantes (con todos esos chistes sobre cacas sacados de un cómic del Dr. Slump). Y por último está nuestra Elsa Pataky, que está más buena que el pan y que, como en casi todos sus películas, hace una magnífica interpretación de mujer-florero cuyo máximo interés es ser objeto sexual de los protagonistas de la película y ser secuestrada al final de la misma. Aunque, obviamente, su cuerpo serrano es un infalible reclamo para espectadores como nosotros, que tenemos el vicio de Onán, aunque también es este aspecto la película decepciona, porque, exceptuando dos escenas, Elsa está bastante tapada.

Paradójicamente, lo mejor del film son sus efectos especiales, correctos y poco más, debido a lo ajustado del presupuesto. No obstante, Nicolás López sabe sacarle provecho a lo poco que tiene para crear un universo irreverente, expresionista, lleno de colores chillones y tonos exageradamente grotescos, con unos fondos y escenarios fieles al espíritu comiquero más camp y futurista, otorgándole al film una estética sugerente y divertida, impactante y gamberra, muy parecida a la de "Ultravioleta" de mi subyugante Mila Jovovich.

A nivel de taquilla "Santos" fue un fracaso absoluto, ya que el público no pudo comprender ni quiso aceptar su apabullante planteamiento ni su desarrollo irregular. Y la verdad es que esta reacción era la más lógica del mundo, porque a nivel global, la película no da ni frío ni calor. Técnicamente es correcta pero a nivel artístico deja mucho que desear.

Aquí os dejo el trailer del film, cortesía de laguiago.

Hassenlhoff, David

David Hassenlhoff. Actor, cantante, productor y sex symbol generacional. No me equivoco al señalar que David Hassenhoff es una de las pocas estrellas artísticas que logró triunfar tanto en la década de los 80 como en la de los 90 y pudo conseguir semejante proeza gracias a su talento innato, a sus dotes interpretativas, a su buen ojo comercial y sobre todo a ese cuerpo serrano que no se puede aguantar lo seductor y guapísimo que es el tío, con todo ese pelo en el pecho, ese pelazo exuberante y ese pantalon marca-paquete, está arrebatador el tío.
Como toda gran estrella, ya desde chiquitito sabía que quería dedicarse al mundo del circo y por ello estudió en el instituto de Artes de California, mientras que por las noches trabajaba de camarero en un restaurante de lujo y de aparcacoches, tal como demuestra la foto que pongo aquí abajo.

Pero una tarde un productor se dejó cautivar por esos ojazos azules y le dio un papelito en "Vacaciones en el mar", pero como la belleza de David es tan espectacular, no tardó en conseguir una serie de televisión para él solito. Esta es, por supuesto, El coche fantástico (The Knight Rider) donde interpretaba al sofisticado Michael Knight en una lucha sempiterna contra el crimen, montado en su simpático coche Kit, cuya arma principal era el super-turbo con el que salía volando por esas carreteras de dios. La serie fue un éxito mundial y todo el mundo quería parecerse a Michael Knight, pero desgraciadamente todo lo que sube baja y la serie fue cancelada en 1986. Este fue un momento trágico para David, ya que el pobre estaba más encasillado que Espinete, así que para subsistir, tuvo que vender su apetitosa imagen semidesnuda a revistas de sexualidad ambigua, tal como demuestra la foto de abajo.
Pero David, lejos de rendirse, volcó sus inquietudes artísticas en el mundo de la música, y grabó un disco entero con canciones populares. En América fue un fracaso absoluto y no vendió ni una cinta en una gasolinera de provincias, pero en Alemania fue un éxito total que las muchachas le lanzaban el sujetador en los conciertos y los muchachos los calzoncillos. Y no me extraña, viendo las fotos calientes que el tío ponía en las carátulas de sus discos.
Con todos los millones que había conseguido cantando en Alemania, David decidió hacer otra serie de televisión, pero esta vez quería dejar a un lado la acción sin sentido del coche fantástico y realizar una serie con un mensaje positivo y solidario, donde reflejase la meritoria labor de los socorristas estadounidenses, que todos los días luchan para rescatar a bañistas gilipollas. De esta manera nació "Baywatchers", conocido en España como "Los vigilantes de la playa" y en América como "Los vigilantes de la bahía". Fiel al espíritu filosófico de la serie, David le dio más importancia a las relaciones humanas y al mensaje altruista de la serie, dejando a un lado la acción gratuita y la sexualidad potente. Por eso contrató a varias actrices que poseían unas grandes dotes interpretativas, alejadas completamente del rol de mujer-objeto-sexual.
Y claro, con un mensaje tan bonito la serie fue un éxito total, catapultando a David al panteón de las figuras ilustres de la cultura popular. A partir de aquí David se interesó por la vida sana, tal como demuestra esta foto sacada por su hija a la hora del almuerzo.
Y nada más, chicos y chicas. ¡Esto es un macho macho men y lo demás son cuentos! Aquí os dejo parte de la extensa filmografía de David Hassenlhoff.

Sexykiller. Morirás por ella

Sexykiller. Morirás por ella (Sexykiller. Morirás por ella, 2008, España)

Dirección: Miguel Martí

Productora: Ensueño Films

Guión: Paco Cabezas

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Carles Gusi

Género: pues una mezcla indigesta de todo lo que le gusta al director, supongo: psychokillers, gore plan Saw, cutre-zombies, mad doctors y comedias universitarias

Intérpretes: Macarena Gómez, César Camino, Ángel de Andrés López, Alejo Sauras, Paco León

Sinopsis: Bárbara es una estudiante de medicina que está fatal de la cabeza porque además de ser una pija repelente es una asesina en serie que mata a la gente según su trastocada escala de valores (dominada por las tendencias de la moda). Como la muchacha le ha cogido gusto al cuchillo, deja el suelo de la facultad llena de cadáveres y como uno de los muertos es el forense, la policía debe pedir ayuda a dos estudiantes de medicina que están haciendo la tesis doctoral (que consiste en crear una máquina que proyecta los pensamientos de la gente). A todo esto, pasa el Luisma con un coche tuneado, le atropella el perro a la asesina y está le cuenta toda su vida (después de clavarle un cuchillo, of course).

Decir que "Sexykiller" es una de las peores películas de la década quizás sea una afirmación un poco gratuita, pero la verdad es que la peli es un rato mala, tirando a infumable. Aunque a nivel técnico la película es decente, a nivel artístico es un horror informe de Shubb-Niggurath. Para empezar, mi Macarena Gómez está fatal en un papel abominable e incongruente más malo que un dolor. ¿De verdad cree el director que podemos empatizar con un personaje tan superficial, tan frívolo, tan pijo y tan egocéntrico? ¡por favor! Bárbara es un personaje odioso y lo único que queremos es que la maten de una vez para que dejé de hablar como una cotorra diciendo chorradas presuntamente graciosas o sofisticadas. Más que un personaje, Bárbara es una caricatura que no resiste ni un análisis morfológico ni sintáctico, y cuando el director pretende darle un poquito de profundidad con la tontería de "El escorpión y la rana" queda todo muy ridículo, pretencioso y visto un millón de veces antes. Por todo esto, Macarena Gómez (una estupendísima actriz) fracasa al intentar sacar a flote un papel que no tiene ni pies ni cabeza y que quizás solo podría haber tenido éxito si lo hubiera interpretado una auténtica pija mediática, como Chabeli Iglesias o Tamara Falcó. El resto de personajes también son estereotipos pobremente ingeniosos que hacen avanzar la trama a trompicones. De la quema sólo se salvan César Camino (en su papel de empollón friki que no se come ni una rosca) y Ángel de Andrés Gómez (interpretando a un policía corrupto), porque el resto del elenco da penita, como Alejo Sauras de "Los Serrano" o Paco León de "Aida" (que si buscas "encasillamiento" en un diccionario, sale la foto de estos dos cogidos de la mano).

El argumento también es un mojón como una catedral, ya que es un refrito de las filias del director, que mezcla con desparpajo estilos y géneros. Las cuatro grandes "influencias" del film son "Romy y Michele" de David Mirkin (por su exaltación del pijerío y de la lobotomía frontal juvenil), "American Psycho 2" de Morgan J. Freeman (cuya protagonista era una estudiante universitaria psicótica), "El terror llama a su puerta" de Fred Dekker (por su escena final con zombies) y, por supuesto, "Re-animator" de Stuart Gordon (por todo el tema de resucitar a los muertos). Tal potaje de ideas y conceptos queda fatal, otorgándole al film un aire muy de cineasta aficionado que pone en la peli todo lo que le gusta, aunque no pegue ni con cola. Exceptuando alguna escena gore muy bien hecha, y algún que otro chiste fácil (de la mano de Luisma), el resto de la película es previsible y aburrido.

Y poco más hay que contar. "Sexykiller" pretende ser una película de humor, pero no hace ni puta gracia; pretende ser una película de terror pero no asusta; y pretende ser una película satírica con los valores imperantes actuales, pero la sátira es más bien una apología de lo que pretende criticar. Que no hay por dónde cogerla, vamos.

Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de abandomoviez

Old Boy

Old Boy (Old Boy aka Cinco días para vengarse, 2003, Corea del Sur)

Dirección: Park Chan-wook (o Chan-wook Park, tanto monta monta tanto)

Productora: Show East Co.

Guión: Park Chan-wook, Jo-yoon Hwang, Joon-hyung Im, basado en un manga de Nobuaki Minegishi

Música: Young-wuk Cho

Fotografía: Chung-hoon Chung

Género: Acción, misterio, intriga, drama humano y una miaja de filosofía oriental zen (compatible con los martillazos que da el protagonista)

Intérpretes: Min-sik Choi, Ji-tae Yu, Hye-jeong Kang, Dae-han Ji, Kah-pu Yoh (este último me lo he inventado)

Sinopsis: Oh Dae-su es un súbdito surcoreano, bebedor y mujeriego, que un día de lluvia lo cogen del cuello y lo encierran tan guapamente en una habitación sin ventanas y con una televisión marca Telefucker. El tío se pasa dentro de la habitación unos 15 años sin saber porqué está encerrado y después de tirarse de los pelos, intentar suicidarse, tener alucinaciones y hacerse unas pajillas, Oh Dae-su decide pegarle puñetazos a la pared para volverse superfuerte y darle su merecido al cabrón que le ha encerrado. Un buen día, Oh Dae-su despierta en una azotea, libre por fin, ante su estupor e incomprensión, ya que no es lógico que después de 15 años lo suelten tan fácilmente. Pero, por sus cojones, las cosas no van a quedar así, ya que el tío está obsesionado con vengarse de su secuestrador, que como lo encuentre le va a hacer la ralla en medio con un martillo...

"Ríe y el mundo reirá contigo. Llora, y llorarás solo". No, no es el mensaje de una galleta de la fortuna del restaurante chino de la esquina, sino el tema central de la película en cuestión, un mensaje muy recomendable que promueve el optimismo como filosofía vital pero que casi nadie hace caso, ya que vivimos agobiados con tanta paja mental que nos atormenta cotidianamente. Por ejemplo, si todos los personajes de la película hubieran seguido este proverbio, la de sufrimiento y golpes que se hubieran ahorrado los insensatos, pero nada, como el ser humano es gilipollas no aprendemos en cabeza ajena y así nos va. Porque desgraciadamente los sentimientos negativos son más fuertes y escandalosos que los positivos, y a menudo nos dejamos arrastrar por ellos en una orgía de desenfreno, destrucción y mal rollo, y esto es lo que les pasa a la pareja protagonista del film, que tanto ojo por ojo y al final, todos ciegos (o mudos, mejor dicho)

"Old Boy" es una maravilla de película, tanto por sus escenas de acción trepidantes, como por su trama enrevesada y apasionante llena de sorpresas y giros de guión, por su filosofía nihilista y confucionista a partes iguales y por su soberbio desarrollo de los personajes. Park Chan-wook ha realizado una película magníficamente trágica donde nada falta y nada sobra, donde los excesos brutales y el estatismo minimalista están justificados, ya que definen la complejidad de los personajes y su intrincada y enfermiza relación. La venganza, el castigo, el amor perdido y el amor recuperado son los cuatro pilares que sustentan esta película y sobre ellos se asientan las motivaciones de los protagonistas. La venganza es un impulso inhumano y monstruoso que es capaz de otorgarnos una fuerza ilimitada y una determinación obsesiva, pero sólo promueve los instintos más bajos y por ello a la larga es capaz de destruirnos. Cuando Oh Dae-su es liberado, en lugar de buscar a su hija y rehacer su vida con sus seres queridos, le da prioridad a su deseo de venganza, y así nos luce el pelo. El castigo es una satisfacción mezquina y vacía que cuando se lleva a cabo lo único que deja tras de sí es un sentimiento de inutilidad y de angustia, y el único camino tras infringir castigo es castigarse a sí mismo. Cuando Oh Dae-su castiga a sus enemigos, en realidad se está dañando a sí mismo sin saberlo, ya que cada martillazo le aleja de su verdadero objetivo: obtener la paz de espíritu y recuperar el amor perdido. Porque el amor es, en última instancia, por lo que vive y sufre el ser humano, y los personajes de la trama girarán en torno a él desesperadamente en un intento de recuperarlo, no obstante, los muy infelices lo intentan por el camino equivocado, ya que alimentan ese amor perdido con mucho odio y resquemor, aferrándose a lo que fue en lugar de a lo que es.

¡Pero basta ya de filosofía! "Old boy" es, ante todo, una increíble película de acción hiperbólica directamente sacada del manga al que adapta, con infinidad de golpes, cortes, laceraciones y contusiones llenas de sangre y moratones. De entre todas las escenas de acción destaca la del pasillo, un impactante plano secuencia en el que Oh Dae-su se enfrenta a una docena de matones a martillazo limpio y que es una maravilla rítmica de coreografía. Pero claro, reducir "Old Boy" simplemente como una película de acción es como tener un tío en Graná, que ni tiene tío ni tiene na, y es obviar mucho de los matices del film que le dan sustancia.

En cuanto a los personajes, la trama gira en torno a tres de ellos: Oh Dae-su, Mido y el malo de la peli (que no digo quién es para no chafar la sorpresa). Oh Dae-su es una fuerza primigenia de belloterismo y cuyo motor es su obsesión por vengarse. Pero ante todo es un gigante con pies de barro, lleno de debilidades y flaquezas. Su gran error es ignorar el amor que aún tiene en su interior aunque al final lo descubrirá por las malas, pasando de verdugo a víctima (y de víctima a verdugo). Mido es una monería de muchacha que está destinada a cruzarse en el camino de Oh Dae-su para demostrarle que todavía es un ser humano con sus deseos y necesidades jincables. Mido se convertirá en el pequeño oasis de humanidad de Oh Dae-su entre martillo y martillo y también su mayor debilidad. Y por último está el malo de la película, que hace lo que hace movido también por un deseo de venganza insano, debido a un amor perdido que es imposible de recuperar. Si el espectador justifica los actos de venganza de Oh Dae-su, también debería justificar las acciones del malo.

Resumiendo: si quieres ver una película diferente, llena de acción y de mensaje metafísico, no te pierdas "Old Boy". Y si le has cogido gustillo al bricolaje, también puedes ver otras películas de Park Chan-wook como "Sympathy for Mr. Vengeance" y "Sympathy for Ms. Vengeance", que por lo visto las tres forman una trilogía oficiosa cuyo tema central es la venganza.

Aquí os dejo el trailer de la película, cortesía de Kitano28.

A ciegas

A ciegas (Blindness, 2008, Brasil, Canadá y Japón)

Dirección: Fernando Meirelles

Productora: Miramax Films y un puñao de productoras más

Guión: Don McKellar basado en la novela "Ensayo sobre la ceguera" de José Saramago

Música: Marco Antonio Guimaraes

Fotografía: César Charlone

Género: Ciencia-Ficción apocalíptica y drama humano con sus virtudes y sus miserias

Intérpretes: Julianne Moore (¡que le den un Óscar ya!) (u dos), Mark Ruffalo, Danny Glover, Alice Braga, Gael García Bernal y sale la china de Anatomía de Grey.

Sinopsis: Un señor japonés se queda ciego en mitad de un semáforo y en seguida va al oculista para que le diagnostique, pero el doctor no tiene ni idea de qué le pasa en los ojitos, así que lo manda para su casa y a otra cosa. No obstante, el mismo oculista, al día siguiente, se vuelve también invidente perdido y entonces sospecha que tiene que ser un virus o alguna otra mierda contagiosa, por ello el gobierno lo coge de los hombros y lo encierra en unas instalaciones militares con otros ciegos para que no molesten. El problema es que la infección, cuando hace pop, ya no hay stop. Afortunadamente, entre todos los ciegos hay una persona que aún conserva la vista, y además es mi Julianne Moore, que con una generosidad infinita está dispuesta a sacrificarse por el bienestar de sus compañeros topoides. El problema es que hay ciegos cabrones que son unos salvajes y quieren imponer su ley a golpe de bastón y además te venden cupones que no toca ni el reintegro.

Pocos géneros como la ciencia-ficción te permiten realizar análisis críticos de la actualidad y de la naturaleza humana tan guapamente con el suficiente distanciamiento como para ser salvajemente mordaz y directo y además son lo suficientemente entretenidos como para que la gente no se aburra con tanta moralina. Pues bien, "A ciegas" entra dentro de este tipo de películas, donde el mensaje existencialista y el trasfondo filosófico-humanista es más importante que la forma post-apocalíptica de infectados zomboides metafóricos. Por algo la película adapta una obra del premio nóbel portugués José Saramago (1922-2010), un gran escritor que se dedicó toda su vida a analizar y cuestionar la realidad de manera combativa y concienciada a través de un estilo narrativo tan fascinante y creativo como el realismo mágico. Por cierto, no voy a entrar en el debate de si "Ensayo sobre la ceguera" es un homenaje-plagio de "El día de los Trífidos" John Wyndham (novela donde se narra la invasión de unos aliens dejando ciegos a los habitantes de la Tierra) más que nada porque no me he leído ni novela de Saramago ni la de los trífidos, pero supongo que no hay plagio, que el tema de la ceguera mundial es muy goloso y es normal que varios autores coincidan en él, por su enorme potencial simbólico. Por todo esto, si estás buscando una película tradicional de ciencia-ficción apocalíptica con sus preguntas y respuestas, mejor no veas "A ciegas", porque el cogollo del film es la interacción de los personajes, con sus dramas y sus miserias, siendo los elementos fantasticos meros instrumentos para el análisis y la disección de la naturaleza humana bajo condiciones extremas.

Pero tampoco te asustes, cojones, que parece que para ver la película hay que hacer un comentario de texto. Fernando Meirelles crea una obra donde el tema principal es la supervivencia del individuo como ser social bajo condiciones infrahumanas, plasmando de manera realista una atmósfera miserable e insalubre, propia de campos de exterminio, donde la ley del más fuerte acaba imponiéndose de manera irremediable. Los personajes de la película se verán obligados a realizar actos impensables en condiciones normales, como mendigar o prostituirse por comida, vivir con basura y mierda hasta el cuello e incluso pensar en el asesinato como acto de venganza y de supervivencia. Las condiciones materiales acaban imponiéndose al individuo y el fino barniz de civilización se desgasta ante situaciones concretas (en este caso, la reclusión arbitraria de unos enfermos), y cuando la civilización desaparece, lo único que queda es la naturaleza humana, en toda su gloria y en toda su podredumbre. Y mientras algunos intentan construir una comunidad igualitaria a través de la solidaridad y la compasión, otros (cabrones) se convierten en parásitos repugnantes que pretenden vivir a cuerpo de rey explotando a los más débiles. De todas formas, esto mismo ocurre en la actualidad en todo el mundo, sin necesidad de que la gente se vuelva miope perdida y muchos de nosotros somos ciegos ante estas atrocidades. Meirelles logra reproducir en imágenes esa sordidez física y espiritual que domina las relaciones humanas, aunque también pone de manifiesto la bondad y la generosidad del ser humano, que cuanto más jodido estamos, más valoramos lo que realmente importa (por ejemplo, el marido de Julianne Moore le pone los cuernos y ella se lo perdona porque comprende que el casquete ha sido un desahogo pasajero).

Y hablando de mi Julianne, la muchacha hace una interpretación soberbia llena de ternura, fuerza e incluso visceralidad (que si le tiene que cortar el cuello a un chuloputas, se lo corta y punto). Las características principales de su personaje son el coraje, la generosidad y, sobre todo, el amor. Por amor a su marido fingirá la ceguera y se dejará encerrar con él. Y por amor a su nueva comunidad, pasará por un calvario para sustentar a sus compañeros. No obstante, su personaje sufre una metamorfosis cuando comprende que por mucho que se esfuerce no puede salvar a todo el mundo y a partir de aquí centra su amor en su nueva familia, un grupo reducido de seres queridos cuyos únicos lazos de unión son las penurias que han pasado juntos.

Mención especial merece la iluminación del film, muy luminosa y deslumbrante, con muchas imágenes quemadas, para simular la ceguera especial que invade a los personajes.

Resumiendo, "A ciegas" es una película para disfrutar y para reflexionar, que te sobrecogerá y removerá cosas en tu interior. Aquí os dejo el trailer del film, cortesía de activania.

Spanish Movie

Spanish Movie (Spanish Movie, 2009, España)

Dirección: Javier Ruiz Caldera

Productora: Telecinco Cinema/Think Studio

Guión: Paco Cabezas

Música: Fernando Velázquez, pero por lo visto se grabó en Hungría

Fotografía: Óscar Faura

Género: cine de parodias o, como diría Shakespeare, "Spoof movie" al más puro estilo de Scary Movie, Epic Movie, Hot Shot, Agárralo como puedas o la decana en el género, Aterriza como puedas

Intérpretes: Alexandra Jiménez (me he enamorao), Silvia Abril, Carlos Areces, Joaquín Reyes, Leslie Nielsen, Joselito el pequeño ruiseñor y un montón de cameos del mundo del cine y la televisión, como Buenafuente, Berto, Alex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Paco Plaza, Jaume Balagueró, Belén Rueda, Juan Antonio Bayona, Chiquito de la Calzada y la peña de Muchachada Nui

Sinopsis: Ramira es una ama de casa almodovariana que va a trabajar a una fantasmagórica mansión victoriana, propiedad de una mujer llamada Laura que está más caliente que el palo de un churrero porque tiene a su marido en la guerra de Flandes. El curro de Ramira es ser la niñera de los dos niños de Laura, pero por accidente se le muere uno de ellos y la pobre decide ocultarlo (más que nada, para que la madre no sufra con la pérdida). En la mansión conocerá a Pedro San Antón, un tetrapléjico de mentira que se queda perdidamente enamorado de ella pero como su afición es intentar suicidarse, le pedirá a la muchacha una y otra vez que le dé matarile. Por otro lado, una criatura mitad cabra mitad muchachada nui viene con un mensaje del futuro para Pedro San Antón, pero el cabrito es golpeado por la niña superviviente, que es una cabrona sádica, y se queda amnésico total. ¿Conseguirá el Fauno transmitir su mensaje del futuro? ¿Encontrará Laura a su hijo perdido? y lo más importante ¡¿Por qué no sale en la película Chiquito de la Calzada?!

Discutir sobre la calidad intrínseca de las películas de parodias es una tarea ociosa y un debate bizantino, porque todas están cortadas por el mismo patrón y comparten los mismos defectos (que no son pocos) y virtudes (que algunas tendrán). Por ello, ni el espectador ni el crítico gafapastas pueden sorprenderse ni rasgarse las vestiduras ante subproductos de esta naturaleza, porque el que avisa no es traidor y desde el principio queda claro la clase de película por la que estás pagando una entrada. "Spanish Movie", fiel a las películas de parodias norteamericanas, está plagado de exageraciones redundantes, bromas escatológicas, mucha sal gorda, obscenidades varias, bastante sexo implícito, escaso ingenio, mucho gamberrismo y multitud de chistes y gags que no tienen ni puta gracia. Pero eso es algo que resulta obvio, ya que la campaña promocional del film estaba encaminada a llamar la atención del público hispano que devora con delectación las spoof movies norteamericanas (que no son pocos y además proceden de todas las capas sociales e intelectuales del país). Por todo ello, que nadie se haga el sorprendido, que sabías a lo que venías, pájaro.

Pero primero, pongámonos en situación. Aunque los productores han intentado vendernos la moto con que "Spanish Movie" es la primera película paródica española del estilo de "Aterriza como puedas" de Jim Abrahams y los hermanos Zucker, la verdad es que el mérito de ser la primera se lo lleva otra peli, "Vivancos 3" (Albert Saguer, 2002) protagonizada por el Gran Wyoming, y que en su día recibió palos hasta en el carnet de identidad, que al público solo le faltó ir a la casa del director y pegarle con la babucha en la cara. No obstante, aquí es donde se puede ver la importancia suprema de las campañas de promoción, porque "Spanish movie" sin ser mucho mejor que "Vivancos 3", ha recibido una respuesta en taquilla muy buena, gracias a la participación mediática de un montón de caras conocidas del cine y la televisión, que promocionaron la película hasta en la carta de ajuste. También es cierto, tal como apuntaba Joaquín Reyes en una entrevista, que España actualmente está produciendo mucho cine de género y este tipo de largometrajes son los más propicios a ser parodiados. En fin, sea como fuere, aquí queda mi reconocimiento a esa película de culto infravalorada llamada "Vivancos 3" que nada tiene que envidiar a "Spanish Movie" porque las dos cojean del mismo pie.

Entrando ya en harina, los gags de "Spanish movie" son poco ingeniosos y apenas son satíricos ni paródicos (lo cual es pecado venial en una spoof movie) y se recrean en una sucesión de momentos llenos de obviedades hiperbólicas y bestialidades gamberras con escasa gracia y totalmente predecibles. Algunos críticos han afirmado que "Spanish Movie" es una mordaz crítica del panorama cinematográfico actual español, a lo cual yo digo que un mojón como una catedral, lo que hay son algunas referencias al universo iconográfico de Pedro Almodóvar y va que chuta. La película toma como hilo argumental la trama de dos películas exitosas, "Los otros" de Amenábar y "El orfanato" de Bayona, y no por casualidad, porque ambas se parecen como dos niños mellizos después de la primera comunión. Desgraciadamente, en un lamentable juego de "buen rollito" para con los directores, las críticas a ambas películas no son ni mordaces ni puñeteras ni cabronas, todo queda muy light y muy de colegas de tapas y así no se puede.

No obstante, a pesar que la película es malilla tirando a chorra, también tiene sus cosillas buenas y uno no se aburre viéndola. El humor que destila el film procede totalmente del actual contexto televisivo catalano-manchego encabezado por programas como "Muchachada Nui" o grupos como El Terrat, que con ingenio e imaginación han roto el monopolio del humor andaluz plan "Los Morancos". Otro elemento fundamental que salva a la película de la quema es su trío protagonista, Silvia Abril, Alexandra Jiménez y Carlos Areces, que llevan ellos solitos el peso de la película y que están fenomenales (teniendo en cuenta la papeleta que les ha tocado). La interpretación de Silvia Abril como la estirada y calentorra dama victoriana es genial y Carlos Areces, fiel a sus raíces chanantes, también destaca en su polémica reinterpretación de "Mar adentro". Pero mi corazón es para Alexandra Jiménez, que me ha encandilado completamente y se me cae la baba sin objetividad alguna. Además, la escena en la que está disfrazada de enfermera la tengo grabada fotográficamente en mi memoria y en el video de más abajo. Por otro lado, a lo largo del film hay algunos momentos muy divertidos, como el de la "linterna" de Joselito, la pelea entre Ramira y su marido borracho o la aparición de Alatriste, pero ya te digo, lo que abundan son los gags sin gracia ni salero.

Y esto es todo. Lo mejor de "Spanish Movie" es que se define a si misma a la perfección, así que después que no me venga la gente llorando que la han estafado. Más claro agua.

Aquí os dejo el trailer del film, cortesía de spanishmoviecorto.

Ahora os presento el mítico encuentro entre Leslie Nielsen y Chiquito de la Calzada.

Y ahora os presento la mejor escena de la película...¡Ay omá!